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lunes, 6 de junio de 2011

La Buena Vida



Empezamos con un homenaje, esta vez al bajista y compositor de La buena Vida, Pedro San Martín que falleció el pasado día 15 cuando volvía de un concierto de Nacho Vegas y Refree. Pedro San Martín ha sido una de las figuras fundamentales del Donosti Sound y de la escena indie nacional, por lo que era una persona muy querida en el mundo independiente. Que esto sirva como homenaje desde aquí. La Buena Vida que a lo largo de sus siete discos ha sido durante los últimos 20 años uno de los grupos claves de la música de nuestro país. Uno de los grupos más bellos que han existido en la escena nacional empezaron haciendo un pop tipo Love y terminaron con unos fastuosos arreglos haciendo pop de cámara. El grupo con el que lloraba Alaska con la canción “Tormenta en la mañana de la vida”.

La canción que pondremos de ellos no es de las más conocidas pero sí de las más curiosas, pertenece a su ep del 2000 “Eureka” y contiene samplers de La película La noche del cazador dirigida por Charles Laughton en 1955 y protagonizada por Robert Mitchum, actor y también cantante a la marihuana en algunas de sus canciones, Mitchum aquí hace de reverendo corrupto y lleva tatuada la palabra LOVE (amor) en los nudillos de la mano derecha y HATE (odio) en los de la izquierda.
Bueno, pues uno de los samplers remite a una de las escenas más magistrales que mis dos ojos han visto en el mundo del cine donde dos niños hermanos escapan del reverendo en una barca por la noche en un lago mientras uno de los niños canta a su hermana una infantil y digamos siniestra melodía a medida que la cámara va subiendo sobre ellos con un plano por encima de un bosque con una nitidez perfecta hasta el punto de que se ven las telas de araña entre los árboles bajo la luna. Lo siento pero Harry Powell no ha dicho su última palabra.

Swans


Empezamos el miniespacial del Primavera Sound con los padres del rock industrial budista, género que sólo existe en mi cabeza por ahora, son los Swans que ya los hemos oído en el programa, pues el concierto sonó como si el cosmos estallara y se recreara a cada momento con implosiones y explosiones, las canciones no tenían fin, eran mantras finales infinitos, ésta vez no tenían dos baterías pero ni falta que les hacía pues tenían a un sr con aspecto de hippy que parecía haber salido de Conan el bárbaro con todo tipo de gongs y elementos percusivos, el bajista tranquilamente comía chicle pues al ser música minimalista apenas le hacía falta tocar, el teclado que lo llevaba un señor con cara de linóleo resquebrajado tenía un siniestro parecido a Samuel Beckett y sustituía a Jarboe aunque sin cantos, tocaba el teclado pero le podían haber dado una guitarra igual porque hacía el mismo ruido, a Michael Gira ya lo conocemos, iba vestido esta vez con su aspecto de Amish profético.
La canción que oiremos pertenece a su primer lp de 1983 “Filth”.

Suicide


Suicide es un dúo synthpunk conformado por Alan Vega (vocalista) y Martin Rev (sintetizador y caja de ritmos). Su primer álbum, el epónimo Suicide, es frecuentemente considerado un clásico.
Suicide se formó a principios de los 70s como un grupo convencional de rock, con guitarras, bajos y batería, pero poco a poco los miembros del grupo desertaron, hasta que solo quedaron Vega y Rev. Emergió de la temprana escena punk de Nueva York con una reputación de actuaciones feroces y polémicas, que ocasionalmente desembocaban en disturbios y violencia. La canción que oiremos de su primer lp del 77 "Ghost Rider" como aquel fantástico cómic de los 70 “motorista fantasma” fue usada en un anuncio de desodorante brasileño en el 2005. Cosas de la vida.

Nisennenmondai



Seguimos con otra banda del primavera que de las que no conocía fue la que más me sorprendió Nisennenmondai son un grupo de tres tías japonesas que tocan como si las hubiera poseído el mismísimo diablo. Lo que hacen estas chicas fluye a través de sus guitarras como un arco iris sónico que penetra directamente hasta tu corazón. Tras cinco álbumes editados y una consolidada carrera por el indie tokiota, algunas de sus canciones, como Destination Tokyo o Mirrorball, ya son himnos. A veces Kraut y otras veces puramente experimental, pero siempre ahí arriba, sus nombres son Masako Takada , Sayaka Himeno y Yuri Zaikawa. En el concierto tocaban la guitarra y la bajista tocando de frente desde ambos lados del escenario para dejar visible a la baterista en el centro, una mujer con coleta para que no le molestase el pelo ya que no levantaba la vista de la batería y que tocaba como un tren sin frenos. Pasaron al lado mío cuando terminó el concierto y les saludé pero me miraron como quién es este tío. Lo más gracioso fue que cuando terminó el concierto tras la tralla que metieron dice la guitarrista “Gracias” con una voz de lo más dulce. La canción pertenece a su disco del 2008 “Destination Tokyo”

Pajamas Harvey Pandeiro


Seguimos con el especial Primavera con la reina del Indie, Pj Harvey, que ya hemos puesto, intenté llegar a primera fila pero unas mujeres enfurecidas no me dejaron, salió ataviada de blanco impoluto con su autoharpa remodelada por anticuarios, también tocó la guitarra por supuesto como con el tema que vamos a oír de su última obra maestra del 97 “Is this Desire?” El cielo se encendió amigo mío…

Katatonia


Katatonia se formó en el 1991, por el dúo compuesto por Anders Nyström (Blakkheim) y Jonas Renkse (Lord Seth), los cuales, tras la incorporación del bajista Guillaume Le Huch, publicaron su primera demo titulada Jhva Elohim Meth. Un año después dicho demo se publicaría como un EP.

En 1993 graban su primer disco, Dance of December Souls. Sus primeros lanzamientos se encuadran en un sonido marcado por la influencia del black metal depresivo (por lo que respecta a los desgarrados gritos de Renkse) y el doom épico, lento, mezclado con toques de rock gótico similares a Fields of the Nephilim. En esta primera época, las canciones son dirigidas por las melodías depresivas de la guitarra de Blackheim y el reverberante realce del bajo de Le Huch. A pesar de lo abrupto de algunas de las transiciones, cabe destacar la limpieza de su sonido, con apenas distorsión, los brillantes interludios acústicos y su primer éxito: Without God.

Tras la marcha de Le Huch (después de la publicación en 1995 del Mini-Cd For Funerals to Come), el sonido de Katatonia sufre un brusco reajuste, que culminará con la aparición de Brave Murder Day (1996) y el Mini-Cd Sounds of Decay un año después. La linea de bajos pierde gran parte del protagonismo, que pasa totalmente a las lineas de guitarra escritas por Blackheim. Creador prácticamente de un nuevo sonido apenas explotado anteriormente por otras bandas, los riffs de esta época y gran parte de la época más «rock» de la banda se caracterizan por una mayor distorsión y agresividad, una simpleza extrema y su repetición ad nausea, casi agónica. Mediante esta aproximación minimalista, la banda consigue ahondar más que nunca en la sensación de Catatonia como un estado de ánimo en el que la vida es incapaz de ningún progreso y donde el oyente se siente empujado a la introspección, a replegarse sobre si mismo como método defensivo. Es, quizá, su disco más cercano al Doom/Death, aunque esta clasificación quizá deba más a la sensación opresiva, angustiosa y, en definitiva, de No Progreso de las canciones que a su sonido (más acelerado que el sonido Doom estándar). Cabe destacar de esta época la colaboración de Mikael Åkerfeldt (Opeth) cantando en las canciones más agresivas con un gruñido gutural típico del death metal. Para los fans del metal más extremo, esta época resulta la más fructífera de la banda, pues a partir de entonces Renkse desarrollaría un estilo vocal propio más cercano al rock, abandonando finalmente todo atisbo de brutalidad y las propias composiciones de la banda irían en busca de una creciente complejidad melódica en detrimento de la agresividad.

Después de varias publicaciones, Katatonia sorprendió a sus fans con el lanzamiento del álbum ‘»Discouraged ones» (1998). En este álbum y los sucesivos el grupo se ha ido apartando progresivamente de los estándares del Doom/Death metal para apostar con fuerza por un estilo de rock depresivo con tintes góticos. Lo que nunca ha perdido el grupo es su tono melancólico. Renkse mejora su entonación disco tras disco. Para cuando se publica Viva Emptiness (2003) su estilo vocal, distante y elegante, melancólico y reflexivo, ya está perfeccionado. En cuanto a las composiciones de Nyström, ganan en complejidad con cada lanzamiento. En cada nuevo disco de esta etapa de rock depresivo la banda experimenta con la inclusión de ambientes generados con sintetizador y con una complejidad melódica cada vez mayor (estructuras atípicas y sincopadas, desarrollo simultáneo de lineas melódicas diferentes e incluso ataques contrapuestos de guitarra durante el transcurso íntegro de una canción). Gracias a esta constante evolución de su sonido, Katatonia ha ido aumentando su popularidad álbum tras álbum, llegando cada vez a un espectro de público más amplio que bebe de los oyentes del rock alternativo y progresivo.

The Great Cold Distance (2006) supone el último salto adelante de la banda. En un curioso movimiento, Nyström abandona definitivamente su sonido tipo para lanzarse a la experimentación más salvaje. En las canciones de este disco, las melodías fluyen a lo largo de cada tema sin detenerse por un momento. Cada una por libre, en múltiples capas, para acabar configurando un tema cohesionado de increíble complejidad (tanto es así que resulta complicado gozar del disco con una primera escucha, siendo necesarios sucesivos intentos para entender qué está sucediendo). A pesar de haber abandonado el sonido más accesible de su etapa inmediatamente anterior, The Great Cold Distance ha sido un éxito de crítica y público, confirmando que la banda es cada día más popular.

Entombed



Entombed es una banda de metal sueca formada en 1987 bajo el nombre de Nihilist

Aunque al principio de su carrera fue pionera (junto a otras bandas como Carnage, Dismember, Edge Of Sanity o Unleashed) del death metal escandinavo (denominado como "sonido Estocolmo"), a principios de los años 1990 su sonido se amplió para incluir hardcore punk y otras influencias. La edición de su álbum "Wolverine blues" supuso el nacimiento de un nuevo estilo musical que aunaba las voces guturales del death metal más clásico con ritmos más pegadizos y rockeros, dando así lugar al llamado "death n' roll".
Tras la marcha de su batería y uno de sus principales compositores, Nicke Andersson, el cual decidió probar suerte en solitario con su nueva banda The Hellacopters, en este caso cambiando incluso de instrumento y pasando ser cantante y guitarrista en su nuevo proyecto musical (de estilo punk-rock, alejándose bastante de su sonido con Entombed), la prolífica y exitosa carrera del combo sueco recibió un duro revés a nivel de ventas, debido a una época en la que experimentaron con sonidos más rockeros y alternativos, alejándose del metal más duro que venían realizando, siendo ejemplo de aquello el álbum "Same Difference".Por entonces también otro de sus miembros, Uffe Cederlund, decidió probar suerte en solitario con Haystack, otro proyecto similar a los Hellacopters de su ex compañero Andersson, si bien no tuvo el mismo éxito comercial.
Tras varios cambios de formación, los suecos volvieron a la senda que tantos éxitos les había dado antaño con un gran disco llamado "Morning star" (confirmando un endurecimiento de su sonido que ya se intuía después del álbum anterior, convenientemente llamado "Uprising" para apuntar a la resurrección que su carrera debía experimentar de nuevo a partir de él), convirtiéndose canciones como "I for an eye" rápidamente en parte esencial de sus shows en directo. Los trabajos más recientes de la banda, ya como cuarteto, el EP When in Sodom y el recientemente editado CD "Serpent saints" no hacen sino confirmar una vuelta al death metal con tintes rockeros del que siempre han sido grupo bandera.

lunes, 23 de mayo de 2011

Tomorrow, In a Year


Abrimos el programa con Tomorrow, In a Year, una ópera electrónica basada en el origen de las especies de Charles Darwin, el hombre que descubrió que no proveníamos de Dios sino del mono. Alguien dijo entre escoger que provenimos del ángel o del mono, prefiero quedarme con la primera. Pues el disco es una colaboración entre The Knife (supuestamente disueltos por Fever Ray) que ya los hemos oído en el programa, Mt. Sims y Planning To Rock que ya los oiremos.

Paradise Lost



Una banda fundamental de la música Doom, una banda cuyo nombre hace referencia a los Paraísos perdidos de Milton…el disco se llama Icon, Un icono (eikon: ‘imagen’) es una imagen, cuadro o representación; es un signo que sustituye al objeto mediante su significación, representación o por analogía, como en la semiótica « ciencia que estudia la vida de los signos en el seno de la vida social», los temas son Christendom y Deus Misereatur , Dios misericordioso, que es una canción de la bendición de dios del salmo 67.
Paradise Lost (1988; Halifax-UK) es una banda perteneciente a los géneros doom/death y gothic metal. Son difíciles de catalogar, ya que han experimentado con su música constantemente; pasando del sonido death/doom de «Gothic» (considerado el primer álbum de este subgénero), al estilo más comercial de «Believe in nothing» (más directo, contundente y con elementos electrónicos), para volver a los punteos de guitarra, aspereza y melancolía de «In Requiem». Pero siempre han mantenido una cierta seña de identidad en todos sus álbumes, que los hace fácilmente reconocibles.

Miembros (actuales):

Nick Holmes (Voz)
Greg Mackintosh (Guitarra)
Aaron Aedy (Guitarra)
Steve Edmonson (Bajo)
Adrian Erlandsson (Batería)

Discografía:

Lost Paradise (1990)
Gothic (1991)
Shades of God (1992)
Icon (1993)
Draconian Times (1995)
One Second (1997)
Host (1999)
Believe in Nothing (2001)
Symbol of Life (2002)
Paradise Lost (2005)
In Requiem (2007)
Faith Divides Us - Death Unites Us (2009)

Anathema


Otra banda pionera del Doom “Anathema”, significa etimológicamente ofrenda, pero su uso principal equivale al de maldición, en el sentido de condena a ser apartado o separado, cortado como se amputa un miembro, de una comunidad de creyentes, el disco se llama Pentecostés tercero que es la celebración del Espíritu Santo.
Anathema es el nombre de una banda inglesa de la ciudad de Liverpool, antes conocida como Pagan Angel que - junto con Paradise Lost y My Dying Bride - colaboró en el desarrollo del Doom Metal de segunda generación, también conocido como Doom/Death Metal. A partir de su tercer álbum, Eternity, Anathema se ha alejado paulatinamente de la escena doom e incluso del metal, siendo considerada en la actualidad una banda de Rock atmosférico o progresivo.

Formada en el verano de 1990 en Liverpool (Reino unido) por Daniel Cavanagh, la banda comenzó con el nombre de Pagan Angel con Darren White (voces), Daniel Cavanagh (guitarra), Vincent Cavanagh (guitarra), Jamie Cavanagh (bajo) y John Douglas (batería). En el noviembre de 1990 lanzaron su primer demo An Illiad Of Woes grabado en MA Studios que cultivó un estilo muy ligado al death metal con voces muy guturales y guitarras muy distorsionadas. Posteriormente el nombre de la banda cambió al de Anathema, y comenzaron a ganar mayor aceptación y publicidad en parte gracias a las apariciones junto a bandas como Bolth Thrower y Paradise Lost.

Paralelamente a la atención que estaban recibiendo, comenzó el proceso creativo para su segundo demo All Faith Is Lost que fue grabado en julio de 1991 también en MA Studios. Éste demo constaba de cuatro temas, que eran mucho más lentos que las canciones su primera demo, tomando elementos del entonces popular black metal, pero utilizándolos en una faceta mucho más introspectiva y nostálgica. Una vez lanzada la demo, ésta recibió críticas muy positivas por parte del medio, e incluso atrajo la atención del sello suizo Witchhunt Records que lanzó el single They Die que consistía en dos canciones ya conocidas, Crestfallen y They Die. Las sólo 1.000 copias producidas fueron vendidas rápidamente. Antes del lanzamiento de éste demo, Jamie dejó la banda decidido a dedicarse a sus estudios. Para suplir el hueco dejado por Jamie, Daniel le ofreció el puesto a Duncan Patterson, quien después de un ensayo de prueba fue aceptado oficialmente.

La creciente popularidad atrajo también la atención de Peaceville Records, quienes ofrecieron a la banda participar en un futuro disco compilatorio que iba a lanzar el sello. La canción incluida en el disco fue Lovelorn Rhapsody, grabada en los Academy Studios. El disco compilatorio se llamó Peaceville’s Compilation «Volume 4» y fue lanzada en octubre de 1992. El compilatorio tuvo buena aceptación así como la canción de Anathema, lo que resultó en un contrato con Peaceville Records para cuatro discos más.

En el verano de 1992 la banda entró a los Academy Studios decididos a grabar su primer disco. Sin embargo, parte del material grabado en éstas sesiones fueron parte de su primer lanzamiento, el EP titulado The Crestfallen lanzado en noviembre de 1992. El resto del material se convirtió en su álbum debut Serenades lanzado en febrero de 1993, cuyo estilo difería bastante de sus primeros demos al introducir ritmos mucho más lentos y guitarras más limpias en su distorsión que aportaban un ambiente mucho más negativo, depresivo, e incluso poético. El haber incluido voces femeninas también aportó una cierta belleza melódica en la tristeza oscura que rodeaba el disco. Serenades fue recibido con grandes elogios, siendo declarado «Disco del Mes» por la revista Metal Hammer, e incluso por MTV, en gran parte gracias al vídeo promocional de Sweet Tears.

Después del lanzamiento de Serenades, Anathema pasó un buen tiempo dando conciertos: primero en Inglaterra, y luego por primera vez en el extranjero en países como Holanda, Bélgica, Irlanda, Alemania (junto a Cradle of Filth y At The Gates), Austria, Suiza, Rumanía, y Brasil.

En mayo de 1994, se grabó el EP Pentecost III en los Academy Studios. Desafortunadamente problemas con el sello (que en ése momento recién había sido apropiada por Music For Nations) resultaron en una demora del lanzamiento del demo que vio por fin la luz en mayo de 1995. Justo antes de lanzar Pentecost III, el vocalista Darren White dejó la banda debido a diferencias creativas, pues la banda pensaba que la voz de Darren no encajaría en el nuevo estilo que la banda estaba cultivando. Darren primero fundó su propia banda, The Blood Divine, y luego su banda actual Serotonal. Ante este nuevo escenario, la banda decidió que el guitarrista Vincent Cavanagh debería asumir las voces. Esta nueva formación debutaría en un tour por el Reino Unido acompañando a Cathedral.

Un año después la banda lanza The Silent Enigma, un disco que representa un momento crucial en su carrera. El album incorpora cambios en el estilo vocal e introduce diversos elementos del ambiente gótico. Muchos fans del estilo original de la banda consideran este album como el comienzo de la caída de Anathema, mientras muchos otros consideran que la mejor época de la banda comienza con este disco.

En 1996 es el lanzamiento de Eternity, el cual incluye un sonido más atmosférico y continua la transición a las voces limpias, que se consolidarán posteriormente en Judgement.

El segundo miembro en retirarse de la banda sería el baterista John Douglas en el verano de 1997, quien sería remplazado por el ex-baterista de Solstice - Shaun Taylor-Steels - quien después participaría en My Dying Bride.

En 1998 se lanza Alternative 4, un disco que reafirma el nuevo camino musical que tomaba Anathema cada vez más alejado del Doom Metal. Durante este tiempo, la banda experimentó muchos cambios en su formación. El bajista Duncan Patterson fue reemplazado por Dave Pybus de Dreambreed debido a diferencias musicales. Martin Powell (quien estuvo a cargo de los teclados y de violín en My Dying Bride un tiempo antes) también ingresó a la banda. Finalmente, John Douglas asume el rol de baterista por segunda vez.

En Junio de 1999, aparece el grandioso Judgement, este álbum marca pone énfasis en temas mucho más lentos y experimentales y siguiendo en las temáticas depresivas de su antecesor. Este nuevo sonido ha sido comparado con bandas como Pink Floyd, Jeff Buckley, y Radiohead.

Durante el mismo año, Martin Powell cambió de posiciones con el teclista de Cradle of Filth Les Smith, quien pasó a ser miembro integral de Anathema.

Un tiempo antes del lanzamiento de A Fine Day to Exit, Dave Pybus anunció su partida de la banda y posteriormente ingresa a Cradle of Filth, siendo reemplazado temporalmente por George Roberts, y posteriormente por Jamie Cavanagh.

En marzo del 2002, Daniel Cavanagh anuncia su salida de Anathema, uniéndose a la banda de Duncan Patterson, Antimatter. Sin embargo, se reintegró a Anathema durante el 2003 para el lanzamiento de A Natural Disaster. Desde entonces, el sonido de Anathema a adquirido características mas atmosféricas y progresivas, como se mostró en temas del último álbum como Flying y Violence.

Debido al cierre de la discográfica Music for Nations luego de su compra por Sony BMG, Anathema se encuentra actualmente sin un sello. Durante su busqueda de una nueva casa discográfica, la banda ha realizado de dos nuevos temas por internet: Everything y A Simple Mistake, en donde los fans pueden donar una suma a su voluntad. A pesar de la ausencia de un sello que los apoye, la banda realizó un tour latinoamericano y se encuentra en una nueva gira europea, mientras el guitarrista Danny Cavanagh también realiza conciertos acústicos en solitario.

Pumuky


Ahora estamos muy orgullosos de presentarles el nuevo trabajo de una de las bandas indies más importantes a nivel nacional, de hecho presentamos en primicia mundial, su nuevo single, vamos ni Radio 3 amigos, lo cual quiero agradecer a su cantante desde aquí su confianza. Ellos son Pumuky, nuestra banda romántica local por excelencia, elegidos mejor maqueta del año en Radio 3 y también destacados en la Rock de Lux como una de las propuestas independientes más interesantes. Pumuky vuelve a las andadas con un precioso single en color rojo en la serie de Jabalina “Love Songs” haciendo el volumen séptimo de esta colección. Gara, Nira, Amarca… son los nombres canarios de mujer que dan título a las tres canciones de Pumuky. Tres historias de amor, y un minuto de silencio, inspiradas en leyendas canarias de amor, donde Pumuky aporta de forma genial una nueva y extraña dimensión a la temática de esta colección. El amor contenido en palabras y silencios, en nombres propios y en nombres jamás pronunciados. El single finaliza con el tema “1 minuto de silencio por nuestro amor”, una total declaración de intenciones en forma de silencio, silencio necesario e infravalorado, obsequiado para pensar, porqué no, en la persona que amas o amaste. Decir que ya están ultimando su nuevo lp. El single fue grabado a caballo entre Fuerteventura, Barcelona y Gran Canaria y hoy sale a la venta. La canción se la dedicamos a Paulita que siempre oye el programa.

Joy Division



La semana pasada se celebró el obituario de Ian Curtis el vocal de Joy Division que se suicidó en la cocina de su casa, tras una ruptura sentimental y tras visionar la película de 1977 de Werner Herzog “Strozsek”. Poco queda decir de esta banda que es ya un icono de la música moderna y de la cual ya hablamos en su día el Día de los enamorados.
Bueno, decir que esta canción fue número 2 en Nueva Zelanda, en el 81 y reapareciendo otra vez en el 84 como número 24, en el 2007 la NME la situó como una de los 50 himnos indies, en el número 20..un lugar por debajo de Love…la canción la tocan en 24 hour party people, un momento en que Curtis sufre un ataque de epilepsia, ha sido versionada por Low, por Peter Murphy de Bauhaus, por Hot Chip y los Smashing Pumpkins en sus tours del 98 tocaban el tema de versiones de 15 a 25 mins.
Dance, dance, dance, dance, dance, to the radio.

lunes, 16 de mayo de 2011

Clock DVA


Clock DVA, que son una banda de música industrial, post punk y EBM de Sheffield, Inglaterra con 2 miembros Adolphus “adi” Newton.y Steven “Judd” Turner.
El nombre fue inspirado del Nadsat argot ruso influenciado por el inglés utilizado por Anthony Burguess, novelista de La naranja mecánica, y que significa Adolescente
Dva es la palabra rusa utilizada para dos. Adi trabajó previamente para miembros de Cabaret Voltaire en un colectivo llamado The Studs. y Ian Craig Marsh and Martyn Ware en una banda llamada The Future. Ian y Martin acabaron en la banda pionera del techno The Human League.
La canción que oiremos pertenece a su lp del 82 Advantage y va sobre reuniones clandestinas revolucionarias Vive Le Resistance!

My Dying Bride


Abrimos la sección ahora de Derivaciones nerviosas del rock con la banda pilar de la música Doom, ellos no son otros más que MDB., la música que haría Jesús si estuviera resucitado o quizás lo esté y haya un ejército…quién sabe…de hecho el cantante tiene un siniestro parecido con el redentor y se llama Aaron, que en hebreo significa progenitor de mártires, posiblemente relacionado con el egipcio significado, "León Guerrero"), fue un sacerdote levita que murió a los 123 años, hermano mayor de Moisés y primer Sumo Sacerdote de los judíos.

My Dying Bride se creó en junio de 1990,cuando el guitarrista Andrew Craighan dejó su banda anterior «Abiosis» para reunir a Aaron Stainthorpe (voz), Calvin Robertshaw (guitarra) y Rick Miah (bateria). Adrian Jackson (bajo) se uniria más tarde. El nombre del grupo es un claro reflejo de la estética del mismo. El año de su formación, la banda tuvo que elegir nombre. Los integrantes dudaron entre My Dying Child o My Dying Bride. Finalmente optaron por My Dying Bride, nombre que evoca a la perfección la melancolía y tenebrosidad del sonido y las letras de las canciones que ofrece el grupo. El nombre señala el sentimiento romántico de la belleza y el gusto por la muerte. Tras seis meses de ensayo, la banda lanzó su demo Towards the sinister cuyo título está sacado de una estrofa del tema Symphonaire Infernus Et Spera Empyrium. Durante el comienzo de los años 90 My dying bride formó parte de las tres grandes bandas doom del momento junto a Paradise Lost y Anathema (las tres provenientes del norte de Inglaterra). Su música se caracterizaba por unas letras románticas, tristes y una gran atención por la atmosfera oscura y melancolica. Sus comienzos fueron basicamente death metal tradicional interpretado de forma mucho más pausada de lo que la mayoría de bandas solían hacerlo. Sin embargo, en su album As The Flower Withers incluyeron los violines y los teclados (ambos de la mano de Martin Powell), elementos que se convertirian en parte fundamental de su estilo durante muchos años. En su siguiente disco, Turn Loose The Swans, utilizaron tanto voces guturales como limpias, incluida la de una cantente femenina. Con The angel and the dark river se abandonó casi totalmente las voces más guturales, otorgando de esta forma a las canciones un tono mucho más gótico. Posteriormente lanzaron Trinity un disco donde se recopilaban sus tres primeros EPs y 7». En 1998 Martin Powell, encargado hasta la fecha de tocar piano y violín, abandonó la formación. Este suceso llevó a My dying bride a duro periodo en el que su sonido dufrió una importante transformación. Sarah Stanton ocupó el lugar del teclísta (aunque el violín nunca volvió a sonar en los discos del grupo hasta el año 2009) y a partir de ese momento, hubo un cambio bastante notable en el sonido de sus discos: poco a poco fueron evolucionando hacia un estilo más romántico que superaba al sonido y a la estética de otras bandas góticas. La voz se vuelve apagada, triste, grave, lenta, pero no gutural. Los teclados adquieren mayor importancia junto con las melodías que suenan de fondo, que dan una atmósfera tétrica y siniestra. En este periodo surgió 34.788%… Complete, su disco más controvertido, experimental e incomprendido. Tras el pequeño traspies que supuso este lanzamiento, retomaron la mayor parte de su sonido caracteristico con The Light At The End Of The World. Hasta la fecha han lanzado otros discos como The Dreadful Hours, Songs Of Darkness, Words Of Light, A Line Of Deathless Kings o, el que es su última obra, For Lies I Sire, aparecido a mediados del 2009 y en donde se retoma el violín a cargo de Katie Stone, además de algún recopilatorio y disco en directo. My dying bride se ha movido por tanto en un espectro enormemente amplio dentro del metal más oscuro, desde temas brutales como The forever people hasta la melancólica belleza de For my fallen angel, pasando por el sorprendente 34.788%… Complete o la version del tema Roads, interpretado originalmente por Portishead.


En cada uno de los discos, My Dying Bride se ha reinventado a sí mismo. Cada uno es distinto del anterior, si bien la profundidad y la melancolía del violín de los primeros discos ha sido difícil de superar. Pesadumbre, condenación y esperanza se funden en sus discos; se dice que 37.788%…complete es un disco incomprendido: distinto al resto, pero con una fuerza de renovación y de esperanza insuperable. Y, algo a destacar: leer sus letras no es algo fútil, sino algo que puede hacer entenderles mejor. Rescatan el romanticismo trágico, sombrío y sencillo, comprensible, que su música completa para sentirlo por completo. Tan sólo un ejemplo: la letra del EXCELENTE poema The Light of the End of the World. Se aúna el minimalismo más exquisito con la tendencia death, siniestra y doom. Y por supuesto, ese romanticismo tan paradójico, que consiste en la exaltación de los sentimientos más patéticos y dolorosos del ser humano. Algo destacable: no perder de vista al batería, un músico más en el grupo y no un mero «llevador del ritmo punchapunchapuncha», que va creando una melodía paralela.

Asphyx






Asphyx es una banda holandesa de death metal que incorpora elementos de doom metal y thrash metal en su música. La banda fue formada en 1987 por Bob Bagchus y Tonny Brookhuis. Eric Daniels entro como segundo guitarrista y Chuck Colli estuvo a cargo del bajo y las voces; esta formación lanzó el demo Enter the Domain. En Marzo de 1989 Colli fue reemplazado por Theo Loomans y grabaron el demo Crush the Cenotaph. Entonses Brookhuis deja la banda y los tres que quedaron grabaron el álbum Embrace the Death que no fue lanzado debido a problemas con la disquera. Después Martin Van Drunen deja Pestilence ha principios de los noventa, y se une a Asphyx y firman para Century Media Records. Después del lanzamiento de su álbum debut, The Rack, se van de gira por Europa con Entombed. Siguiendo con un tour con Bolt Thrower y Benediction en 1992. Poco después de grabar su segundo álbum, Last One on Earth, Van Drunen deja la banda y sería reemplazado por Ron Van der Pol. Eventualmente Bagchus deja la banda también. Fue reemplazado por Sander Van Hoof. Su álbum auto-titulado fue lanzado en 1994 y dirigiría a la banda a su separación en 1995. El mismo año Loomans y Bagchus deciden reformar Asphyx y graban el álbum God Cries. Por ese entonces la banda lanza el álbum Embrace the Death. Sin embargo la banda se separo de nuevo después de este lanzamiento. En 1997 Soulburn fue fundada por Bagchus y Daniels y junto con el cantante y bajista de Pentacle Wannes Gubbles grabaron el álbum Feeding on Angels. En el 2000 renombraron el proyecto a Asphyx y grabaron el álbum On the Wings of Inferno con la misma alineación. Sin embargo se separaron de nuevo en el 2001. En Enero de 2007, la banda se reunió con Van Drunen, Gubbels, Paul Baayens y Bagchus. En 2009 se publica «Death… The Brutal Way», existiendo una edición especial que contiene un DVD con la actuación de la banda en Party San 2007
con Van Drunen, Gubbels, Paul Baayens y Bagchus.
Miembros actuales: Martin Van Drunen - Voz (1991-1992 y desde 2007), bajo (1991-1992) Wannes Gubbels - Bajo, voz Bob Bagchus - Batería Paul Baayens - Guitarra Miembros Anteriores:
Eric Daniels - Guitarra, Theo Loomans - Voz, bajo (1996) Ron van der Pol - Voz, bajo (1992-1994) Ronny van der Wey - Guitarra (1996) Sander van Hoof - Batería (1994) Tonny Brookhuis - Guitarra, Chuck Colli - Voz, Bajo, Roel Sanders - Batería

Discografía: * Carnage Remains (1988, Demo) * Enter the Domain (1989, Demo) * Crush the Cenotaph (1990, Demo) * Mutilating Process (1989, EP) * The Rack (1991) * Crush the Cenotaph (1992, EP) * Last One on Earth (1992) * Asphyx (1994) * Embrace the Death (1996, Grabado en 1990) * God Cries (1996) * Feeding on Angels (1998, como Soulburn) * On the Wings of Inferno (2000) * Death… The Brutal Way (2009)

R.A.G.H.



Seguimos con la banda del sello Contubernio rec "Ragh", decir que casi todas sus grabaciones se pueden descargar. Ragh que como reza en su hoja promocional: A veces me he preguntado donde encasillar la música de Ragh. Veamos cómo se puede llamar a un proyecto donde el letrista es español y los músicos son alemanes, el primero le explica a los restantes en inglés el contenido de las letras y cada uno, a su libre albedrío, se pone a tocar lo que le parece. Lo curioso es que hay una cierta sintonía, una comunión entre todos nosotros y el resultado al final cuadra. Quizá podamos llamarlo jazz en su versión más experimental. La voz la pone Kuu, Michael a los teclados, violines y sitar, Frank se encarga de la percusión y de la electrónica y Ralph de la guitarra. Cuatro puntos cardinales opuestos que se unen en el centro. Ragh ha actuado en diversas ciudades de Alemania en su versión instrumental. Los shows han consistido en construir una banda sonora improvisada sobre películas de cine mudo, entre las que podemos mencionar el Nosferatu de Murnau. La temática es muy oscura, onírica, paranoica, tanto en las letras como en la música. Es un universo difícil, es más, agrio. No te deja indiferente. Pero eres tú quien, en definitiva, tienes la palabra. Bienvenido a este desolado territorio.

lunes, 9 de mayo de 2011

Flying Lotus


Ahora auscultaremos el último disco no remezclado de Flying Lotus “Cosmogramma” editado por Warp en el 2010. Proyecto bajo el cual se esconde el nombre de Steven Ellison, productor musical experimental de multi géneros, dj y compositor de Laptop. Su tía abuela es Alice Coltrane, la segunda esposa de John Coltrane y también compositora de Jazz y es primo de Ravi Coltrane. Loto Volante se llama este proyecto, Las flores de loto, ya sea por su llamativa belleza, ya sea por surgir del "fondo" de las aguas han resultado simbólicas (por el medio de la metáfora, ya sea tal metáfora consciente o inconsciente) en las religiones del Antiguo Egipto, la India y luego de la China. Los lotos representan la resurrección, en el caso del loto por emerger resplandeciente desde las profundas aguas.
A tal significado se añadió el simbolismo según el cual los principales dioses y diosas nacieron en padmas o lotos; el padma hindú suele servir de modelo para figurar mandalas o para figurar a los chakras. En China, Japón y en todos los lugares en donde ha llegado el budismo una oración ritual característica menciona al loto, tal fórmula suele ser mani padme aum (“¡oh joya en el loto!"). ¡Esto es la flor de Loto! Amigos míos…

Fernando Alfaro y Los Alienistas



Seguimos con Fernando Alfaro, De origen manchego, Fernando Alfaro (1964), tuvo una precoz iniciación en la vida musical. Sus primeros movimientos se remontan a 1986, cuando Fernando Alfaro y su primo, por entonces en un grupo punk llamado Cortejo fúnebre, comenzaron a ensayar con algunas canciones que Fernando Alfaro tenía escritas desde hacía tiempo. En 1988, aún sin el nombre definitivo del grupo, pero ya con Joaquín Pascual y Carlos Cuevas incorporados, grabaron dos maquetas bajo el nombre de Los bichos y Surfin’ Jesus respectivamente, con las que se dieron a conocer en el concurso Villa de Madrid. No hablaremos mucho de este señor porque es casi obligatorio que pongamos Surfin’ Bichos en Luz Verde un día de estos.
Ésta canción (no la del video) que propone de alguna forma la condenación a ser libre Sartriana y la imposibilidad de elección situacional diciendo que si hubiéramos vivido el nazismo hubiéramos hecho lo mismo por salvarnos a nosotros y a nuestra familia en el familiar tono pesimista de Alfaro. La canción cierra con un coro eclesiástico. Ésta es la aportación de Luz Verde a la Semana Pagana. La canción es del 2007 con el proyecto musical que se llamaba Fernando Alfaro y los alienistas y un único lp llamado Carnevisión como aquel mítico lp de TDK, Alfaro tiene mucho punk en el subconsciente ya que en una entrevista nombraba la palabra Monstruación sin saber bien de donde provenía.

Rabbit Junk



Rabbit Junk comenzó en 2004 después de la separación de la primera banda, The Shizit. Después de añadir a la vocalista Jeniffer «Suma Grrl» Bernett a la banda, los dos componentes lanzaron su proyecto de su auto-titulado álbum debut llamado Rabbit Junk en 2004. Un año más tarde, la banda firmó con Glitch Recordings y liberando el seguimiento de su álbum debut llamado en este caso: Reframe, que obtuvo la banda más fuerte y más amplia base de aficionados.

Se mostró un sonido más pesado y las influencias de diferentes estilos, como el Black y el metal industrial.

If These Trees Could Talk




If These Trees Could Talk es una banda de post rock instrumental de Akron, Ohio. La banda, comúnmente abreviada como «ITTCT», se caracterizan por un post-rock instrumental con tonos fuertes. ITTCT lanzaron su album debut homónimo en 2006.

Los miembros son:

* Tom Fihe – Bass
* Jeff Kalal - guitar
* Cody Kelly – guitar
* Mike Socrates – guitar
* Zack Kelly – drums

Medio Mutante





Ahora presentaremos el ep 12” de Medio Mutante del 2008 tras un cd-r autoeditado en el 2007; en el 2009 también han sacado un single Boom Boom Romance / Mutant Menace y en el 2010 una k7 llamada: Demos MMVII-MMVIII.
... Electrowave influenciado por el jazz, el hip hop y el Freestyle latino, impreso en vinilo de 160 grms. Y limitado a 600 copias. Esta es la canción que da nombre al ep.

Warpaint



Ahora Warpaint y su primera grabación del 2009 llamada Exquisite Corpse, producida por John Frusciante, el cadáver exquisito técnica surrealista de escritura que tanto me gusta que se hace escribiendo frases, doblando el papel sin que el otro sepa lo que se escribe y al final leerlo todo encontrando extrañas analogías. Banda que veré en el Primavera Sound con los ojos muy abiertos y no sólo por la belleza de sus componentes. Su segundo y último lp del 2010 se llamó “The Fool”.
Warpaint es un grupo experimental de art rock de Los Ángeles formado en 2004, y actualmente compuesto por Emily Kokal (líder vocalista, guitarra), Theresa Wayman. (Guitarra, vocalista), Jenny Lee Lindberg (bajo, vocalista) y Stella Mozgawa (batería, teclados). El EP ha sido descrito como "una colección de psicodelia mágica fluyendo sobre momentos sublimes de melodía pura, cortesía de las tres vocalistas".

Vitalic



Seguimos con Vitalic… es el nombre artístico de Pascal Arbez, Dj y productor de música electrónica (techno o electro entre otros estilos). Según bromea, dice que nació en Ucrania y fue a vivir a Alemania cuando la caída del muro de Berlín, pero realmente nació en Francia en 1976, de padre español y madre italiana.
Saltó a la fama recientemente por su tema My friend Dario del su último LP Ok Cowboy, publicado en 2005 y por sus participaciones en vivo junto Miss Kittin y The Hacker entre otros. Tiene un estilo muy característico y único en todas sus sesiones y canciones, con influencias del hard-techno, la electrónica de los 80 y el llamado electroclash Sus temas han sido usados en muchísimas sesiones de artistas como Aphex Twin, Princess Superstar y 2 Many DJs. Pues vamos con el tema que lo lanzó a la fama de su primer lp del 2005 “Ok Cowboy”.

The Go Team



Seguimos con The Go! Team The Go! Team es un grupo de música ingles creado en Brighton. Tiene seis miembros (con dos baterías) y sus canciones son una mezcla de canciones de temas musicales del género acción, cantos de animadoras, guitarras y hip hop temprano, con un poco de funk de los años setenta. Sus canciones son una mezcla de instrumentación en directo y muestras de fuentes varias. Ian Parton concibió el proyecto después de crear música incorporando sus instrumentos preferidos, incluyendo guitarras en el estilo de Sonic Youth, cantos de algarabía y música de persecución de autos. Comenzó a hacer jams y grabó Thunder, Lightning, Strike en la cocina de sus padres.
• Sus miembros son : Ian Parton - guitarra eléctrica, armónica y baterías
• Sam Dook - guitarra eléctrica, banjo y baterías
• Chi Fukami Taylor - baterías y vocales
• Kaori Tsuchida - vocales, guitarra eléctrica, teclado y melódica (reemplazó aSilke Steidinger en otoño de 2006)
• Jamie Bell - bajo
• Ninja - cantante de rap/vocalista.
Esta canción pertenece a su primer lp del 2004, del que hablamos antes, de tres, este año sacaron uno, les dejamos con esta maravilla de Viva la Vida y póngase a bailar!

lunes, 2 de mayo de 2011

El Pilar Azul


Hoy presentamos, entrevistamos y tuvimos el placer de escucharles en una sesión acústica a la primera banda de post rock canaria o por lo menos de Las Palmas y su primera y flamante grabación “Diciembre” más algunos temas inéditos.

El Pilar Azul "Diciembre" (video oficial) from Raskolnicov2001 on Vimeo.

Hand Of Fatima




Hand of Fatima se forman en el verano de 2007, con músicos procedentes de Cádiz. Hacen postrock instrumental influenciado por diversas bandas tales como Neurosis, Isis, Mono, Sigur Ròs, Earth, Yndi Halda, Mogwai, Red Sparrowes, Pelican … Aunque intentan dar siempre una visión más personal, debido a la multiplicidad de estilos que les influyen. Los miembros que forman Hand of Fatima son músicos muy experimentados, habiéndose conocido por haber coincidido en proyectos anteriores o por simple amistad de años.

Su único disco ha sido grabado en cinta analógica (con todo el equipo totalmente analógico) y totalmente en directo. Se ha llevado a cabo en los estudios ODDS en el Puerto de Sta. María por Pacoloco (Steve Wynn, jayhawks, Half Foot Outside, Gas Drummers) en el mes de mayo de 2008. La mezcla del mismo también se ha realizado en el mismo estudio pero ha sido llevada a cabo por el ingeniero estadounidense John Agnello (Sonic Youth, Witch, Mark Lanegan, Dinosaur Jr., Fu Manchu, Nebula, Drive by Truckers, The Living End…). La masterización ha corrido a cargo de Alan Douches (Converge, The dillinger escape plan, Liars, les savy fav, mastodon…) en los WWWS studios de NY. El trabajo lo forman cerca de 45 minutos de música instrumental, donde se van jugando con diferentes intensidades sonoras. Pacoloco ha participado además de realizando la grabación, contribuyendo con algún Pedal steel y un órgano Hammond en el último corte del disco. El concepto del disco gira en torno a los relatos de fantasmas japoneses, donde cada uno de ellos tiene una historia distinta. Las canciones buscan ser el paisaje sonoro para cada una de estas historias.

El título del disco es OBAKE, que significa fantasma en japonés. La consecución de los temas es:

1 - Tatari (Rito funerario)
2 - Goryo (fantasma aristocrata)
3 - Funayürei (fantasma de marineros)
4 - Ubume (fantasmas de madres que vuelven a por sus hijos)
5 - Onryo (fantasmas vengativos)
6 - Ofuda (escrituras sagradas que sirven para ahuyentar a los fantasmas)

El disco se ha editado conjuntamente en febrero de 2009 por las discograficas independientes Odio Sonoro y Nooirax producciones.
“Hand Of Fatima” nombre cuyo origen viene del árabe, jamsa ‘cinco’) es un símbolo con forma de mano que se utiliza tradicionalmente en varias culturas.El uso de la jamsa está documentado desde la Antigüedad. La usaban ya los púnicos (desde el 820 a. C., en el norte de África), quienes la asociaban con la diosa Tanit, Tanit fue la diosa más importante de la mitología cartaginesa, la consorte de Baal que por cierto mi exnovia tenía tatuada en el vientre y patrona de Cartago. Era equivalente a la diosa fenicia Astarté; también fue una deidad bereber. Fue la diosa de Ibiza (Islas Baleares y España).
El culto a Tanit comenzó a cobrar importancia a partir del siglo V a. C., y estaba asociado con la Luna y la fertilidad. Hay indicios de que iba acompañado de ritos con sacrificio de niños, pero esta creencia pudiera ser fruto de la política de descrédito romana, Es posible que sea aún más antigua la jamsa. La cultura judía y la árabe la adoptaron como propia.La forma más extendida del símbolo es la de una mano simétrica: el dedo corazón en el centro, a sus lados el anular y el índice, un poco más cortos que el corazón e iguales entre sí, y en los extremos dos pulgares, también del mismo tamaño y algo curvados hacia afuera. A veces contiene otros símbolos, como inscripciones de carácter religioso, estrellas de David judías, ojos y otros elementos destinados a aumentar su poder. Típicamente aparece en forma de amuleto (pendientes, colgantes, etc.), en las puertas de las casas (a veces como aldabón), en coches y otros lugares. En el mundo árabe se utiliza como talismán para protegerse de la desgracia en general y del mal de ojo en particular. Esta mano es un amuleto, normalmente un colgante, que protege del mal deteniéndolo con la palma de la mano, previene las enfermedades y atrae la buena suerte. Los cinco dedos de la mano están sometidos a la unidad de la mano; cada uno de estos dedos representa cada uno de los mandamientos fundamentales de la ley islámica y la canción de HOF se llama Tatari que es un tipo de araña saltarina que proviene del tahitiano y significa Esperar, cosa que tan bien hacen las arañas.

lunes, 25 de abril de 2011

Bel Canto



La banda noruega Bel Canto, de estilo gótico dreampop etéreo con sintetizadores e influenciado por la World music, la banda estaba liderada por Anneli Drecker, estuvieron activos desde el 85 hasta el 2002. Bel canto del italiano, "bello canto" es un término operístico que se utiliza para denominar un estilo vocal que se desarrolló en Italia hacia fines del siglo XVIII y comienzos del XIX.
La canción pertenece a Birds of Passage de 1989.

Jucifer



Jucifer es una banda que combina el sludge con varios subgéneros más, lo que la hace única. Están bajo el sello de Relapse Records. Son descritos como una mezcla entre Portishead y Black Sabbath o Melvins. Los miembros de la banda son Amber Valentine como guitarra líder y vocalista, y su esposo Edgar Livengood en la batería. Ellos viajan en una RV y prefieren estar en tour constantemente, que solo grabar/tour/de vuelta a casa. Jucifer es conocido por el gran volumen que tocan en sus conciertos y la gran intensidad de sus shows en vivo.

Linda Martini



Que quede claro...que hay un colaborador con raíces gallegas...
O início data de 2003, quase todos os membros passaram por bandas de Punk Rock e Hardcore antes de se juntarem para fazerem os Linda Martini. A banda consiste em André Henriques na guitarra e voz , Pedro Geraldes na guitarra, Hélio Morais na bateria (que também é baterista nos If Lucy Fell), e Cláudia Guerreiro no baixo. Do passado punk e hardcore herdaram a atitude descomprometida e sincera com que encaram a sua música.

A origem do nome da banda deve-se a uma amiga de Pedro Geraldes que se chamava Linda Martini,conhecendo-a quando esta efectuou o programa Erasmus em Lisboa.Ela ainda hoje vê com estupefacção uma banda com o seu nome: Linda Martini.

Em 2005 lançam uma maquete homónima de quatro temas que rapidamente é difundida em pequenos concertos e via Internet – muito por culpa do fenómeno “Myspace.com”. Pouco tempo depois, é nesse mesmo espaço de partilha que a recém criada editora Naked os descobre.

Rapidamente os concertos da banda se tornam fenómeno de afluência, ficando na memória a enchente das Fnacs do Colombo e Sta. Catarina, ou o calor que se fez sentir numa ZDB pequena demais para tantos curiosos e convertidos. Em paralelo, o tema «Amor Combate» ganha airplay na rádio, alargando o auditório da banda aos ouvintes mais incautos.

O crescente burburinho e a consequente falta de meios logísticos para dar vazão às encomendas de maquetes caseiras (impressas em casa em formato CDR), precipitam a edição do EP «Linda Martini». O EP é composto pelos 4 temas da maquete de estreia que aqui são remasterizados pela mão de Niels Kinsela, baixista dos God is an Astronaut. O projecto de gravar um álbum tomava forma e, em Outubro de 2005, a banda entra em estúdio para registar os temas novos que amadureceu ao vivo.

2006 trouxe momentos marcantes. A parceria com a banda irlandesa God is an Astronaut leva-os a uma tour com passagem por Dublin, Waterford e Londres. Inesquecíveis serão os mais de 600 irlandeses que freneticamente aplaudiram a banda na sua primeira actuação fora de portas.

A passagem pelos festivais Super Bock Super Rock e Sudoeste consolidou o fenómeno e deixou expectativas em relação ao álbum de estreia.

«Olhos de Mongol» foi editado a 30 de Outubro de 2006. O título faz referência ao escritor norte-americano Henry Miller que assim descreve a troca de olhares entre perfeitos desconhecidos que, por nenhuma outra razão além do olhar, estabelecem uma empatia imediata.

Na primeira semana em que foi disponibilizado no myspace da banda, o primeiro single «Cronófago» foi escutado por mais de 5 mil pessoas.

Em Novembro de 2010 os Linda Martini apresentaram o novo álbum Casa Ocupada, que imediatamente tomou os Tops de vendas.

The New Raemon


El nuevo disco de The New Raemon , grupo del sello BCore, de pop-rock indie en castellano en activo desde el año 2008 y procedente de Barcelona. Está encabezada por el músico catalán Ramón Rodríguez como voz y guitarra y acompañado por Ricky Falkner, que toca el bajo, además de ser la voz secundaria; Pablo Garrido, que es el guitarra eléctrica, Ricky Lavado a la batería y Marc Prats como teclista. Ésta es su sexta grabación para Bcore, un disco de este año llamado “Libre Asociación” que describe bien lo que aquí nos encontraremos la asociación libre es el método descrito por Sigmund Freud como la "regla fundamental", constitutiva de la técnica y que consiste en que el analizado exprese, durante las sesiones de la cura psicoanalítica, todas sus ocurrencias, ideas, imágenes, emociones, pensamientos, recuerdos o sentimientos, tal cual como se le presentan, sin ningún tipo de selección, sin restricción o filtro, aun cuando el material le parezca incoherente, impúdico, impertinente o desprovisto de interés.
Les dejamos con el pop íntimo y existencial de The new Raemon que da bofetones al corazón.

Throwing Muses


Hablar de Rock noventoso y no mencionar a Throwing Muses sería un acto de absoluta ignorancia. No sólo porque son de esas bandas que (desde principios de los ochentas) ayudaron a definir muchas de las pautas que marcarían el rumbo musical de la década (el núcleo Punk teñido de vuelo casi Psicodélico, el trabajo de guitarras crudo y elaborado al mismo tiempo, la libertad creativa enmarcada en canciones certeras, las melodías bellas y dolorosas, la impronta adulta y melancólica), sino porque lo hicieron manteniendo siempre un nivel compositivo excepcional. Por supuesto, nunca alcanzaron un gran éxito comercial y ni siquiera comparten el mismo prestigio de algunos de sus pares generacionales y bostonianos como Dinosaur Jr o Pixies, pero lo cierto es que, si nos guiamos por su música, no hay duda alguna de que Kristin Hersh (eterna y bipolar líder del grupo) y los suyos merecen un lugar de excepción en la historia Rockera en general. “Spring” es la tercera parte de estas “Season sessions” que se inauguraron el año pasado con otros dos ep’s, correspondientes al otoño y el invierno y están compuestas de nuevas versiones de temas viejos.
Los TM ya tocaban cuando tenían 14 añitos en 1981. No hay referencias con las cuales comparar a las musas tiradas, su estilo es único e inimitable, en gran parte gracias a la personalísima voz de Hersh pero también debido a su habilidad para concebir canciones que resulten, al mismo tiempo, gancheras, sensibles, energéticas y sumamente retorcidas. Esto es sólo un aperitivo (delicioso y alentador, pero aperitivo al fin) para un próximo larga duración que el trío se encuentra grabando en la actualidad, pero lo bueno es que ellos mismos lo ponen (junto con las ediciones anteriores de estas “Season sessions”) a disposición del público en forma gratuita. Aunque hasta hace poco estuvieron pidiendo dinero para su nuevo disco pero se decidieron por el altruismo. Sólo deben visitar www.kristinhersh.com/seasonsessions para descargarlos. O sea, música de excelente nivel y factura, a cargo de una de las mejores bandas de Rock de las últimas décadas y, encima, gratis. No se le puede pedir más a la vida. Pondremos el último ep dedicado a la primavera y la canción Fish que empieza con la fantástica frase “Tengo un pez clavado a una cruz en la pared de mi apartamento, me canta con ojos vidriosos y dice citas de Kafka”. También en este tema Viene la mítica frase “Lonely is an Eyesore” El solitario es algo que ofende a la vista y que dio nombre a uno de los recops. Más importantes de la 4ad. Un tema de 1987 en su versión actual…

Daft Punk


Daft Punk es un dúo artístico originario de París, Francia; conformado por los músicos Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo.
El estilo de la agrupación es música electrónica compuesto por acordes disco, y balada rock con toques de funk, techno, House, Hard Rock, Synthpop e Indie
Antes de llamarse Daft Punk, se llamaban Darlin', y además de Bangalter y Homem-Christo también formaba parte otro artista llamado Laurent Brancowitz. El dúo aparece disfrazado de robots en sus imágenes publicitarias y en sus entrevistas permanenciendo en secreto tipo Residents. El nombre viene de Una reseña negativa de melody maker que llamó a la agrupación Darlin "A bunch of daft punk".
También Bangalter tuvo una banda llamada Stardust con Benjamin Diamond. El tema que oiremos es del remake de la maravillosa peli Tron de 1982. Aunque la película inicialmente no tuvo éxito, se ha ganado el estatus de película de culto debido al uso de sus gráficos generados por ordenador, siendo el preludio de un nuevo subgénero en la ciencia ficción, la realidad virtual La película ha inspirado a muchos videojuegos. El propio juego Tron ganó más que el primer lanzamiento de la película. Disneylandia desarrolló su propio Túnel de SuperVelocidad como una de sus atracciones. La bso original estuvo hecha por la compositora Wendy Carlos que hizo la bso de La naranja mecánica y El resplandor entre otras. Pues el temita es del Tron Legacy del 2010 y este año acaban de sacar un lp remezclando el mismo otros autores. Les dejamos con las motos de luz...

Huski


Uno de los muchos proyectos de Melanie Garside la hermana de Katie Jane Garside de Queen Adreena. Ésta vez se nos disfraza de new wave, y conmovedor electro synthpop, con su peculiar voz de ángel oscuro derretido, y un proyecto con nombre de perro siberiano: Huski. El disco se llama Love, Peace, Pain y es del 2006.

lunes, 18 de abril de 2011

The Amaroses



The Amaroses son un cuarteto procedente de la tierra que a menudo no suele existir y no me refiero a San Borondón. El cuarteto formado por: Demelza Cruz, Félix Henríquez, Coré Ruiz, y Rodrigo Hurtado acaban de editar un E.P con muchas ganas e ilusión, y eso se nota en cada una de las composiciones que conforman el disco “Creating a Monster”. El trabajo se abre con el corte “Aberdeen Bridge” que nos puede ayudar a hacernos una idea de lo que quieren The Amaroses. La voz de Demelza es su gran baza, aunque no podemos dejar de lado los efectivos y contundentes ritmos deudores del rock noventero y el lado más “grunge” de aquellos años.

Esben and The Witch


Los ingleses Esben & The Witch crean densas atmósferas envenenadas y sucias, canciones plagadas de términos científicos, referencias a la literatura de la Grecia clásica y metáforas que inspiran dolor y enfermedad, muestran que la mejor arma del grupo es su capacidad para jugar con la tensión, construyendo un verdadero monumento al desasosiego, con constantes y sucesivas subidas y bajadas de intensidad y volumen, que definen la identidad del grupo. Estilo, diríamos: Witch Rock, influencias de pop atmosférico y oscuro de grupos góticos de los 80. La canción pertenece a su primer lp de este año llamado Violet Cries.

Tindersticks


de Tindersticks, es un grupo de rock formado en Nottingham, Gran Bretaña en 1991 por los siguientes miembros:
•Stuart Ashton Staples, que hace unos años actuó en solitario en Sta. Cruz de Tfe; a la voz, guitarra y melódica (14-11-1965)
•Dickon James Hinchliffe, guitarra, violín, piano, y arreglos de cuerda y viento (9-7-1967)
•Neil Timothy Fraser, guitarra y vibráfono (22-11-1962)
•David Leonard Boulter, teclados y percusiones (27-2-1965)
•Alasdair Robert De Villeneuve, batería, percusiones y trompeta (2-8-1965)
•Mark Andrew Colwill, bajo (12-5-1960).
El sonido del grupo parte del pop independiente al que incorporan arreglos orquestales, de jazz y de soul. Su sello distintivo lo marcan la profunda voz de barítono de Stuart A. Staples, que le emparenta con los crooners clásicos, y las sofisticadas orquestaciones de Dickon Hinchliffe, que utiliza una amplia variedad de instrumentos que contribuyen al ecléctico sonido del grupo. Entre ellos están el piano Rhodes, carillón, vibráfono, violín, trompeta, fagot o el órgano Hammond. También destaca en su música la influencia de cantantes como Serge Gainsbourg, Lee Hazlewood y especialmente Scott Walker. Todas estas referencias dotan a su sonido de un toque pulcro y elegante del que no está excluida la experimentación. La canción que vamos a oír pertenece a su último lp editado en el 2010 por la 4ad y es la que abre el disco Falling down a Mountain.

Tindersticks "Falling Down A Mountain" from Iain & Jane on Vimeo.

lunes, 11 de abril de 2011

Maika Makovski


Empezamos con Maika Makovski, y como reza su hoja promocional…la artista, su disco y su música. Maika, mallorquina con sangre andaluza y macedonia que ha vivido en Nueva York y siempre vuelve a Barcelona, presenta su tercer trabajo grabado y producido por John Parish en... Bristol y Bath.
Puede que la presencia de Parish en los controles dispare las comparaciones con PJ Harvey. Seguro que los comparadores fallan el tiro. Como Polly Jean, Maika es una mujer que compone, canta, toca la guitarra y el piano, una tía con carácter que hace canciones como sólo se deberían hacer: con pasión e intensidad. Hija de Vangel Makovski, un multiinstrumentista afincado en Palma, Maika se ha alimentado con música. Y, por lo que cuenta, siempre le ha gustado comer de todo. Lo misma cita a Stooges, Damned, The Cramps o Dead Moon que habla del Son House, Skip James y otros clásicos del blues del Delta. A veces confiesa que Prince es “una de las paredes maestras de mi caja de música” pero siempre deja hueco en esa virtuosa caja de Pandora para Neil Young, Ike & Tina Turner o Serge Gainsbourg. Quizá nada de eso suene de forma evidente en las canciones de su tercer trabajo y, sin embargo, todo está ahí, escondido en algún lado para sugerir a tu subconsciente que éste es uno de esos discos que seguirá en la banda sonora de tu vida dentro de diez años. Maika canta a hombres sin sangre en las venas (No Blood) y a tipos por los que desangrarse (The Bastard And The Tramp, Oh M Ah), maúlla para reivindicar el amor volcánico (Lava Love, The Deadly Potion Of Passion) y reniega de ese otro amor que no es tal sino droga mal cortada (Game Of Doses), se arrodilla ante el diablo (Devil Tricks) y suspira por la vida en el campo desde los rascacielos de Manhattan (City Life).
Maika ha encontrado el destino de un viaje que empezó ganando el Festival de Pop Rock de Palma de Mallorca con 15 años. Dando pisadas con botas de punta de acero punk en su primer disco, Kradiaw (2005), y con zapatos de bailarina en Kraj So Kóferot (2007). Reuniendo a los mejores compañeros de travesía posibles (David Martínez a la batería, Juan Carlos Luque al bajo y la percusión y Oskar Benas a la guitarra, el banjo y los coros) y conquistando con ellos escenarios de todo el mundo.
Maika Makovski ha destilado su esencia y, con ella, la de toda la buena música. Por eso ha llamado su disco con la única definición posible: Maika Makovski.
Este jueves, 14 de abril a las 20:30 en el CICCA en la Alameda de Colon nº 1, donde hacen las exposiciones para más señas, tendremos a una compositora producida por uno de los músicos más importantes de la música independiente en una ocasión irrepetible.
Pueden conseguir las entradas en La caja de Canarias y en la propia entrada.

Mc Enroe


Seguimos con el segundo lp de Mc Enroe, banda de noise pop melancólico vasca, como el final de la canción que oiremos, muy vasco también. Son amigos de nuestros queridos Pumuky y su historia como resume uno de la banda es que “antes de ‘Mundo Marino’ grabamos ‘Apaga el día y me quedo’, una especie de maqueta de seis canciones, y para sacarla nos inventamos un sello llamado Un Hombre Encantador. Después nos fuimos a Puerto de Santa María a grabar ‘El sur de mi vida’ con Paco Loco. Sacamos ese disco también con nuestro sello, pero nunca se distribuyó más allá de nuestro círculo de amistades. Después grabamos en casa ‘Trébol Ep’, y más de lo mismo. Todo era muy para nosotros. Así que, en realidad, ‘Mundo Marino’ sí que es nuestro debut, o así lo sentimos”. En su disco también aparece Miren Iza (Tulsa), quien colabora en la conmovedora “Otras vidas” y quien hizo de puente para que McEnroe ficharan por una discográfica como Subterfuge. McEnroe es glorioso pop independiente en castellano de largos desarrollos y alta carga emocional (que no épica impostada “a lo Keane” ni histrionismo “a lo Muse”). Vamos, un disco melancólico, sincero, cercano y agradable. Su último lp se llamó Tú nunca morirás.

Ekkaia



Ekkaia son ahora un referente del crust punk en todo el mundo, pero este proyecto se viene gestando desde hace años. Originarios de A Coruña una mediana ciudad emplazada en el noroeste del estado español, Ekkaia empezaron su andadura en 1999 bajo el nombre de Icon, con el que sacaron una demo totalmente DIY en 2000.

Eran temas muy oscuros, musicalmente cercanos al metalcore y por tanto lejos del sonido tradicional que se le presupone a esta banda, además algunos de esos temas estaban cantados en inglés, cosa que nunca sucedió cuando cambiaron su nombre por Ekkaia.

Su primera edición con el nombre de EKkaia se produjo en formato CD y fue un split con la banda madrileña de grindcore Unsane Crisis y sirvió para que ambas formaciones se dieran a conocer. Seguidamente vio la luz su primer larga duración: «Manos que estrechan planes de muerte y sometimiento» en 2002, seguido del EP «Cuant@s más moriremos hasta que estén satisfech@s».

Estas tres obras representan una época en la que Ekkaia consiguió acaparar rápidamente la atención de gran parte de los aficionados al hardcore del estado sino de también numerosos amantes del screamo por sus gritos agudos y partes caóticas que presentaba su música, motivo que les valió la etiqueta de «emo» por parte de algunos sectores cerrados a su música. Finalmente 2003 es el año en que Ekkaia recorren por primera vez el continente europeo exportando su original manera de facturar hardcore.

En 2004 se plasma el segundo gran cambio en la música de Ekkaia, tal vez marcados por un concierto donde años antes compartieron cartel con un grupo con ex-miembros de His Hero Is Gone en A Coruña, «Demasiado tarde para pedir perdón» muestra una nueva vuelta de tuerca en su música, donde pierden peso los elementos caóticos y gritones, para dar paso a un hardcore mucho más metalizado sin dejar por ello de ser melódico, lo que muchos insisten en etiquetar como «neocrust» o simplemente «sonido Portland» en honor a las bandas que comenzaron dicha senda, principalmente From Ashes Rise y Tragedy, que son los anteriormente mencionados como «ex-HHIG».

Después de una segunda gira europea Ekkaia publican en 2005 su última grabación hasta la fecha, un EP de tres temas titulado »Ya hemos aguantado el sermón, ahora lo destrozaremos» donde continúan en la dirección de su segundo LP; después de esta publicación Ekkaia se separan y sus miembros comienzan a participar en otros proyectos. En Enero de 2007 Ekkaia dieron un concierto en su cuidad natal, pero a día de hoy no hay vistas de una nueva reunión.


Discografía:
- Demo (como Icon) [2000] CD
- split con Unsane Crisis [2001] LP
- Manos que estrechan planes de muerte y sometimiento [2002] LP
- Cuant@s más moriremos hasta que estén satisfech@s [2003] EP
- Demasiado tarde para pedir perdón [2004] LP
- Ya hemos aguantado el sermón, ahora lo destrozaremos [2005] EP

- Sombras del progreso (recopilatorio no oficial) [2007] CD


Última formación
- David - Bajo/Segunda Voz
- Marcos - Batería
- Nelson - Guitarra (Voz en Manos que estrechan planes de muerte y sometimiento y guitarra en Ya Hemos Aguantado el Sermón, Ahora lo Destrozaremos)
- Pablo - Guitarra/Voz

También son Ekkaia:
- Antón - Voz (En Icon y en split LP con Unsane Crisis)
- Javivi - Guitarra (hasta Demasiado Tarde Para Pedir Perdón (inclusive))


Otros grupos donde participa/ha participado gente de Ekkaia:
- Use of Abuse
- Icon (pre-Ekkaia)
- Machetazo
- Mass Mierda
- Seres
- Perros Callejeros
- Penelope Crust
- Cop On Fire
- Leadershit
- Black Panda
- das plague
- Asedio
- Lume
- Pirates go to Hell
- Noitébrega
- Bâtard
- Ursus
- Sangre de Muérdago
- Crustina Aguilera
- Ataque de Suicidio

Ictus





Ictus nace en Galicia, España en el 2004 de las cenizas de varios grupos de la escena gallega. Los miembros originales eran Iván Ferro (Disappointment), Hugo G Santeiro (NMD, Disappointment), Santi Chan (NMD), Jesé Baltar, Álex Canoura (Yacam) y Hugo Freijanes (Shattered Dreams). Su estilo musical ha ido variando con el paso del tiempo, empezando con un sonido cercano al neo crust en la onda de otras bandas gallegas como Ekkaia, o extranjeras como Catharsis, para irse poco a poco desmarcando de este estilo y ganando en personalidad. Han ido metálizandose y en la actualidad su música es una amalgama de sonidos crust, heavy, metal, punk e incluso death metal sueco, todo ello con pasajes meláncolicos que les ha hecho ganarse adeptos por toda Europa. Añadiendo a todo esto una filosofía non profit, diy, una actitud punk, y unas letras críticas y de fuerte carga política, pesimista con la situación actual del planeta y del papel del ser humano en este mundo. Además de esto, el grupo sigue un estilo de vida vegano, aunque no lo traten explícitamente en sus letras. Toda esta combinación de elementos en su manera de hacer las cosas y en su música les ha hecho hacerse un gran nombre en la escena hardcore nacional, a pesar de que musicalmente se acerquen más a otros sonidos en la actualidad. La formación ha ido con el tiempo sufriendo cambios de formación en prácticamente todas sus lineas (incluso en un principio eran 3 guitarras), lo que no ha mermado en ningún momento su actividad, para consolidarse con Nacho Rengifo, Iván Ferro, Hugo G Santeiro, Silvia y Mejuto, algunos de ellos ex miembros de bandas como This Thing Called Dying, Disappointment, Hongo o Madame Germen. Desafortunadamente, sufrieron un terrible accidente en su última gira europea en verano de 2007, para desgracia de todxs los que les queremos y apreciamos, como músicos y personas. Esperemos que la fuerza que demuestran con sus impresionantes directos y su música les devuelva todo lo malo que les ha pasado, porque se lo merecen sin duda alguna. Su discografía hasta la fecha es: Hambrientos de un sol distinto (2005, CD/12») Split with This Thing Called Dying (2006, CD/12») Split with okban (2006, 10») Imperivm (2007, CD/12») Actualmente Nacho Rengifo toca en Hombre malo (Oslo,Noruega), Iván Ferro en Dessert Icons (Madrid) ,Hugo González en Un Lobo en la Jaula y GUERRERA, y Álex Canoura en los tres últimos nombrados.

Sara da Pin Up


Cambiando radicalmente de estilos escucharemos a la canaria afincada en Barcelona Sara Da Pin Up que fue entrevistada por Jorge Cosío en el nº4 de Lp Se expresa, nacida en Gran Canaria el 2 de diciembre de 1981, más conocida como Sara Da Pin Up, es una cantante y actriz española, conocida fundamentalmente por protagonizar la serie juvenil emitida por Cuatro, HKM-hablan kantan mienten-. En el verano de 2004 fichó por Surreal I.E, una compañía asociada a la multinacional Warner Music. Así, con una grabadora doméstica, empezó a componer sus primeras canciones, construyendo la base del que sería su primer disco. Christian Vogel se ocuparía de la masterización después de catorce meses de duro trabajo. El resultado es 'Trippin up', una conminación de electrónica y hip hop avanzado, con letras ágiles, irónicas, directas y fulminantes. Su voz va más allá del hip hop, desmarcándose del prototipo de rapera al uso. Entre sus influencias musicales, Sara Da Pin Up cita a Beastie Boys, Flying Lotus, Modeselektor, Dj Krush, LCD Soundsystem, The Cure y M.IA. entre otros.
Ha tocado con gente como Tiga y colaborado con Mucho muchacho de 7 notas 7 colores. Abanderada del synthcore, una pena que en La hora Wiki tuvo que cambiar la palabra mamada por llamada. Este tema es de su único lp del 2007 y deseando que saque algo nuevo nuestra vecina que rompió moldes en el 2004.

The Stranglers



No sólo de Sugar brown vivieron los Stranglers. The Stranglers es un grupo de rock del Reino Unido.
El grupo, creado en 1974 como Guildford Stranglers y liderados por el protopunk nuevaolero Hugh Cornwell, se encuadra dentro del punk rock a pesar de haber aparecido antes de la primera oleada del género y se les considera como uno de sus precursores. Más por sus actitudes que por la similitud estrictamente musical, ya que han explorado multitud de estilos. La banda dio sus primeros pasos en los circuitos de pub rock y finalmente alcanzó la categoría de grupo de mainstream con un notable éxito comercial, especialmente en el Reino Unido y el resto de Europa. En aquél han conseguido que 17 de sus álbumes y 23 de sus sencillos hayan entrado en las listas del Top 40.
La canción que oiremos pertenece al lp del 81 The Gospel According to the Meninblack, un álbum esotérico conceptual, el álbum trata sobre ideas conspiratorias de visitas de aliens a la tierra, de siniestros gobernantes llamados Hombres de Negro y todo envuelto en narrativa bíblica, éste lp está considerado uno de los primeros de rock goth, y tiene un sonido macabro, progresivo y abstracto, enriquecido por percusiones hipnóticas y bucles de sintetizadores. La banda parece ser que sigue en activo tras 37 años. Les dejamos con este vals cósmico.

Blacanova


Blacanova, grupo de pop hermético y misterioso, fans de TrajedeSaliva al igual que nosotros, Blacanova son Armando Jiménez (voz), Inés Olalla (voz), José A. Pérez (guitarra), Manuel Begines (bajo), Paco Arenas (guitarra) y Pepe Fernández (batería). Tras sus tres anteriores EPs (Monja, 2007; Perro, 2008; Madre, 2009), en 2010 publican su primer LP homónimo con Foehn, Las atmósferas que crean las diez canciones del lp tienen alma, son nubes grises que te abrazan y amenazan llover. Las voces susurran historias creadas con la misma ternura que tienen los protagonistas de Freaks, la poesía de Pizarnik o un vientre tras una cesárea. Enamoran desde el dolor o el sufrimiento. Y después está lo de lance a su hijo por la ventana. No sé si todas las críticas van a empezar con esa frase, pero si lo hacen tampoco estaría mal. Porque hoy en día es imposible encontrar algo así por aquí: un grupo que suena tan brutalmente bien y que encima sabe escribir.

lunes, 4 de abril de 2011

This Will Destroy You



This Will Destroy You es una banda estadounidense de post-rock nacida en San Marcos, Texas. La banda está formada por los guitarristas Chris King y Jeremy Galindo, el bajista Raymond Brown y el batería Andrew Miller, con Brown al teclado en los directos. Sus trabajos los publica Magic Bullet Records. La banda se formó en 2005. En 2006 lanzaron un EP, «Young Mountain», que originalmente fue concebido como la demo de la banda, y tuvo buena acogida por la crítica. Comenzaron a grabar su disco debut en febrero de 2007, y fue lanzado el 29 de enero de 2008 bajo el título de «This Will Destroy You».